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22 février 2013 5 22 /02 /février /2013 14:26
Une petite vidéo mettant en évidence le travail titanesque de la construction, à voir sur le site du Musée ICI.
 
 
 
 
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Published by Mme Brénéol - dans Histoire des Arts 3°
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1 février 2013 5 01 /02 /février /2013 09:40
Dessinant-dans-le-metro--1981-jpg
 

Keith Haring est avant tout une personnalité emblématique de l’histoire de son époque (les années 80), reliant en permanence le milieu artistique au monde de la rue et au public.

Peintre américain, il a débuté par des études de graphisme publicitaire. Commençant par dessiner sur les murs du métro, il expose finalement dans plusieurs galeries new-yorkaises prestigieuses. A partir de 1984, il développe une symbolique colorée, liée au monde des médias et se distingue en créant une iconographie unique, aux formes synthétisées soulignées de noir. Son immense popularité s’explique par son style graphique facilement identifiable et par sa prédilection pour des supports hors normes accessibles à tous : le métro, les murs de la ville, les réverbères, jusqu’aux produits dérivés qu’il commercialise lui-même.

 

Keith Haring est venu à Barcelone et a peind ce mur le 27/02/1989sur la Plaça Salvador Seguí (Raval).
Cet endroit n'existe plus à présent.
   
Une interview de Keith haring par Thierry Ardisson à voir sur Youtube  :
Keith-haring-devant-silhouette.jpg 

 

keith-haring-1985-nyc.jpg

 

Dans-le-metro.jpg

  Fresque-Collingwood-Technical-College--Melbourne--Australie.jpg

Fresque Collingwood Technical College, Melbourne, Australie, 1984. 


A toi, à présent, de créer ton propre T-Shirt commercialisable inspiré du style graphique de cet artiste en t'aidant de la silhouette de T-Shirt distribuée en classe. Celle est une base, tu peux en changer la forme à ta guise.

Un thème doit se dégager de ton travail, couleurs, formes, composition, motifs y seront donc attentivement étudiés et réfléchis.

Tu lui donneras un titre afin de l'identifier facilement.

Keith_Haring.jpg

Photos-de-mode-T-shirt-Obey.jpg 

Photos de mode T-Shirt Obey/Keith Haring.

Extrait d'un article :

"Urban Outfitters nous fait porter de l’art, pas plus, pas moins. L’idée est simple, prenez Keith Haring et OBEY, ça vous parle bien vrai ? Maintenant imaginez leurs créations affichées sur vos t-shirts, pas mal non ? Et bien voilà vous avez la recette du nouveau must-have de chez Urban Outfitters !

Urban Outfitters a toujours eu le don de vouloir mêler culture et mode, cette fois-ci c’est un pari gagné avec une série de t-shirts customisés par Shepard Fairey et Keith Haring. La collection sera composée de 4 modèles pour femmes et hommes imprimés des dessins de Haring avec notamment le très connu « Radiant Baby » et l’icônique « Red Heart ».Cette collaboration entre le plus grand street artiste américain et la fondation Keith Haring va très certainement faire un beau carton. Vous pouvez dès à présent shopper cette ligne de t-shirts OBEY X Keith Haring sur le site américain d’Urban Outfitters. Il vous faudra compter autour des 30 $.  "

 

Un article sur Reebok ICI.

  

Reebok Classic X Keith Harring  pieds !

intersection-intersectionmagazine-reebook-keithharing-1024x.jpg
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2 décembre 2012 7 02 /12 /décembre /2012 12:00
Voici une vidéo intéressante qui présente bien l'oeuvre de Picasso et le contexte historique de sa création.
C' est en fait un projet TICE réalisé avec des élèves de cycle 3 (CM2).
 
Guernica, un projet réalisé en 3D :
 
 
 
 
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21 septembre 2012 5 21 /09 /septembre /2012 13:08

Cliquer sur ce lien pour avoir  accés à une explication du mouvement : http://www.histoiredelart.net/courants/futurisme.html

 

Luigi-Russolo--Dynamisme-d-une-automobile--1913.jpg

Luigi Russolo, Dynamisme d’une automobile, 1912-1913
  Huile sur toile
106 x 140 cm

 

 

Luigi Russolo
Portogruaro, 1885 - Cerro di Laveno, 1947

Biographie

Issu d’une famille de musiciens, Russolo se dirige pourtant dans un premier temps vers les arts plastiques, et notamment la gravure. Il expose des eaux-fortes symbolistes à Milan en 1909, et c’est à cette occasion qu’il rencontre le jeune peintre Umberto Boccioni. Il commence alors à aborder, dans sa peinture, le thème du paysage urbain moderne.
En 1910, en compagnie de Boccioni, il fait la connaissance de Marinetti et adhère au Futurisme. Il signe les manifestes du groupe, participe à leurs expositions collectives ainsi qu’à leurs tapageuses soirées. Il peint de nombreuses toiles en accord avec l’idéologie futuriste d’un espace essentiellement dynamique, qu’il parvient à exprimer grâce à sa maîtrise des couleurs vives et à la clarté de son dessin.

C’est en 1913 qu’il revient à la musique : à l’issue d’une réflexion sur l’utilisation des bruits produits par la vie moderne, il publie son manifeste de la musique futuriste, L’Art des Bruits. Dans la nécessité de disposer d’instruments nouveaux adaptés à sa musique, il commence à fabriquer des Intonarumori, des machines à jouer des bruits. Après la Première Guerre mondiale, il donne de grands concerts à Paris, notamment en 1921 au Théâtre des Champs-Elysées, et en Italie. Cocasses et révolutionnaires, ses expérimentations sonores sont à l’origine de la musique concrète et de la musique électronique qui apparaissent à partir des années cinquante.

 

Le Futurisme

Les peintres du Futurisme italien, principalement Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo et Gino Severini, regroupés en 1910 autour du poète Filippo Tommaso Marinetti, proclament l’identité de l’art et de la vie par le biais de la notion de vitesse. Héritant de la philosophie de Bergson et de la théorie de la relativité d’Einstein selon lesquelles la stabilité est une illusion rétrograde, ils choisissent la vitesse comme moyen de percevoir et d’acquiescer au principe fondamental qui régit le monde moderne, le mouvement. Ils souhaitent un art total, comme l’indiquent leurs nombreuses activités parallèles à la peinture : la musique, l’architecture, le théâtre, le cinéma, la mode, la décoration et même la cuisine. Le Futurisme est un art de vivre.

 

Analyse

Ce tableau constitue à lui seul, par son sujet et sa facture, un emblème du Futurisme. Il applique en effet les principes énoncés dans le Manifeste technique de la peinture futuriste de 1910 : "Nous déclarons (…) qu’il faut balayer tous les sujets déjà usés, pour exprimer notre tourbillonnante vie d’acier, d’orgueil, de fièvre et de vitesse".

À travers l’automobile, sujet récurrent chez les peintres futuristes, c’est le thème de la vitesse qui est traité et, particulièrement chez Russolo, ses résonances optiques et sonores. La représentation de la machine se trouve ici éclipsée au profit de la traduction plastique de la vitesse : sa silhouette, soulignée par un contre-jour bleu soutenu, est à peine visible, morcelée dans l’espace qu’elle dynamise tout entier. Couleurs en fusion, bâtiments basculés en arrière, chaussées aspirées dans son sillage synthétisent les perceptions visuelles accélérées que l’automobiliste expérimente. La succession d’angles aigus concentriques, sur l’axe médian de la toile, ordonne toute la surface picturale. Elle traduit, par son rythme même, l’accélération puissante du moteur, comme sa vibration sonore qui s’étend à l’espace tout autour.

Citation

  Nous déclarons que la splendeur du monde s'est enrichie d'une beauté nouvelle : la beauté de la vitesse. Une automobile de course avec son coffre ornée de gros tuyaux tels des serpents à l'haleine explosive... une automobile rugissante, qui a l'air de courir sur de la mitraille, est plus belle que La Victoire de Samothrace.

F. T. Marinetti, Extrait du Manifeste du Futurisme, février 1909

 

victoireSamothrace.jpg

 La Victoire de Samothrace est une sculpture grecque de l'époque hellénistique représentant la déesse Niké, personnification de la victoire, posée sur l'avant d'un navire. Elle est actuellement conservée au musée du Louvre. La hauteur totale du monument est de 5,57 m. Vers -200 av JC ?

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12 octobre 2011 3 12 /10 /octobre /2011 19:24

              Le terme est inventé en 1923 par Gustav Hartlaub, critique d’art et directeur de la Kunsthalle de Mannheim, qui organise en 1925 la première exposition des artistes de la Nouvelle Objectivité, courant qui émerge alors en Allemagne. Ses représentants les plus célèbres sont Georg Grosz, Otto Dix et Max Beckmann. Considéré aujourd’hui comme un mouvement, les artistes n’ont pourtant jamais eu ni de programme, ni de manifeste illustrant une volonté d’appartenance à un mouvement. On parlera donc plutôt de tendance ou de mouvance artistique. Celle-ci ayant durée approximativement de 1918 à 1933.

            Ses différents représentants proposent un retour au réel sans artifice, au quotidien. Sur le plan stylistique, cela se traduit par un retour au réalisme après l’Expressionnisme et le Cubisme et la volonté de présenter un reflet de la société malsaine et corrompue de l’après-guerre. Ils entendent affronter froidement le désastre social et moral consécutif à la défaite de 1918 et à la crise économique de 1929. Ils posent un regard dur sur les hommes et les femmes, et sur le quotidien au travers de portraits inquiétants, de vues urbaines, de scènes nocturnes de bars et de cabarets. Reflétant un pays ruiné, humilié par la défaite et le traumatisme du traité de Versailles, rongé de l’intérieur par l'injustice et la corruption, la Nouvelle Objectivité est une tendance qui utilise l’art comme une arme pour critiquer la société. Il faut comprendre ce mouvement comme un phénomène révélateur d’une crise et non comme une critique sans fondements.

            Les artistes de ce mouvement sont nombreux à avoir été qualifiés "d ’artistes dégénérés" par le régime nazi. Cela explique que la mouvance de la Nouvelle Objectivité se soit éteinte peu après 1933. De nombreux artistes allemands, et des pays annexés par le IIIe Reich, sont alorsf orcés de s'exiler. D'abord réfugiés dans le reste de l'Europe, ils sont vite contraints, par l’extension du conflit, de rejoindre le Royaume-Uni ou les Etats-Unis. Internés dans les camps comme ennemis politiques, de nombreux artistes paieront de leur vie la pratique de leur art.

 

L’ art dégénéré

Le terme Entartete Kunst (« art dégénéré ») fut inventé par Joseph Goebbels, ministre de la propagande nazie, pour désigner les productions artistiques contraires aux critères esthétiques du pouvoir officiel.

Le 18 juillet 1937, Adolf Hitler et Joseph Goebbels inaugurent à Munich la nouvelle Maison de l'Art allemand qui accueille alors la "Grande exposition d'art allemand" regroupant l’art officiel nazi. Elle est utilisée par Hitler pour témoigner du triomphe et de la supériorité de la race arienne jusque dans l'art. L’exposition présente plus de 600 pièces scrupuleusement sélectionnées par Goebbels lui-même.

Hitler ouvre le lendemain, le 19 juillet 1937, l'exposition "Entartete Kunst" réunissant tous les artistes jugés « dégénérés », représentants d’une période jugée décadente, chaotique et pervertie. Parmi eux, des artistes appartenant à Die Brücke, au Blaue Reiter ou au mouvement dada. Toute la scénographie de cette exposition consiste à provoquer la colère du public. Ainsi, à côté de chaque oeuvre figurait des commentaires méprisants d’Adolf Hitler, ou d’autres membres du parti, des citations des artistes sorties de leur contexte dans le seul but de choquer et le prix et l'année d'acquisition pour provoquer l'indignation du public devant de telles dépenses dans une période de chômage et de privation.

La présentation en parallèle de ces deux expositions fut une vaste manoeuvre de propagande nazie. La première annonçant l'avènement d'une nouvelle époque culturelle qui anéantirait la culture « dégénérée » exposée dans la seconde. Afin de diffuser ce message de propagande, l'exposition circula dans tout le IIIe Reich jusqu'en 1941. Plus tard, toutes les toiles de l'exposition "Entartete Kunst" furent vendues à l'étranger ou brûlées publiquement.

Programme de l'exposition d'art "dégénéré", Munich 1937 - Verlag für Kultur und Wirtschaftswerbung,

Deutsches Historisches Museum, Berlin.

 

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12 octobre 2011 3 12 /10 /octobre /2011 19:06

Dictateur (Le)

 

Clic ici pour avoir un lien vers une ressource sur le film Le Dictateur de Charles Chaplin.

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Les enseignements artistiques participent de l’éducation et de la formation des élèves.

Celui des arts plastiques, dont l’originalité est de prendre appui sur l’expérience sensible des élèves, permet à chacun d’eux, par le truchement d’une pratique exploratoire et réflexive, de développer son potentiel de créativité, de participer à son éducation visuelle, d’acquérir une culture lui permettant de comprendre les enjeux de la création artistique quels qu’en soient l’époque et le lieu.

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